Artista do período de transição dos nos 90, Beatriz Milhazes embarca na chamada onda do New Age, numa pretensa espiritualidade de final de século e de milênio, tendo como fundamentação a noção de que num período chamado de pós-modernista não haveria necessidade de originalidade na criação, já que esta seria uma postura ultrapassada da visão modernista. Sendo um período de “crise da arte” todas as formas de ação seriam válidas, a própria arte confundindo-se com a produção automatizada de uma sociedade pós-industrial, globalizada e sem responder a nada, já que a arte seria apenas fenômeno isolado e processo industrializado acima de julgamentos, sem pretensões de estabelecer quadros de valores ou intenções ou se relacionar com o mundo.
Contudo, essa visão imediatista na produção artística não é uma constante nessa geração, o que, aliás, significaria a morte da arte, pelo contrário, como Bárbara Kruger comenta: “Fazer arte é materializar sua experiência e percepção sobre o mundo, e a arte cria um tipo de comentário”. Nas múltiplas leituras do universo contemporâneo fica visível que a apreciação e a experiência no processo de criação artística vão além da simples intuição e resposta sensorial, a verdadeira arte baseando-se no conhecimento, na compreensão e reflexão sobre o mundo. Conforme afirma, com toda razão, o crítico Rodrigo Naves: “A arte contemporânea parece fadada a viver da tensão entre arte e vida, e as melhores obras atuais são aquelas que conseguem tirar seu significado dessa relação irresolvida. Caso contrário em lugar de um enriquecimento das determinações da arte teria apenas um empobrecimento da concepção de vida”.
Como outros artistas da geração 80, Milhazes surgiu de um interesse especifico do colecionador Marcantônio Villaça, que de amador passou a galerista comprando arte como estratégica de marketing, sem se ater a embasamentos teóricos e sem se questionar se a arte adquirida responderia a questões importantes para a arte, mercadoria vista apenas como moda que pode ser criada e lançada no circuito comercial.
Beatriz Milhazes cunhou inúmeras expressões para explicar seu trabalho como “meu trabalho tem um lado de delírio, de algo surreal, portanto de sonho. Mas tem também o conflito de mundos diferentes, com as cores e os materiais que utilizo”. Já a crítica Jennifer Higgie fala de um “caleidoscópio de cores, flores, amor” e de uma loucura tecnicolor. Carlos Von Schmidt, este com mais pés no chão, não vê na pintura de Milhazes qualquer sonho, pelo contrário, uma pintura fabricada com flores, rosáceas, círculos e arabescos, em que se entrelaçam linhas, rendas, folhas, ramagens, áreas de cor que dão vida a essa pintura, que de onírica tem pouco. Como a própria artista explicou ao crítico, seu processo criativo parte do fundo da tela pintada com rolo, criando a base. A seguir pinta com tinta acrílica em folhas de plástico, criando máscaras que são aplicadas ao fundo como decalques. O resultado é uma pintura aparentemente geométrica, com colorido kitsch e um toque de espontaneidade e candura, pelo tema subjacente, seu conteúdo floral. Existe consenso de que a artista tem domínio da cor e da composição, usando contrastes e afinidades entre as cores para equilibrar dezenas de elementos, verdadeiros bordados de rendas e mandalas que vão se sobrepondo, porém se analisarmos com cuidado veremos que de hábito utiliza tons pastel, cores puras diluídas com branco e que por isso atenuam conflitos entre as áreas de cor, numa facilitação programada.
A artista defende sua obra dizendo haver influência da arte popular brasileira nas cores caipiras o que talvez seja verdade, mas reportar-se a Tarsila do Amaral e Bridget Riley é forçar uma ancestralidade inexistente. O que ocorre nas impressões de transferência de Milhazes, em que aparecem falhas de tintagem, nada tem há haver com as pequenas irregularidades de Bridget Riley, aliás, uma das maiores artistas inglesas do século 20, que aproximou a optical art da pop art. Quando Riley coloca intencionalmente falhas nos arranjos geométricos, estas provocam ilusões óticas, o olhar acreditando ver coisas que não existem e assim gerando dinamismo em superfícies que de outro modo seriam estáticas. Suas obras trabalham as relações entre instabilidade e estabilidade, segurança e insegurança, ao contrário de Milhazes em que o todo estático, nada se movimentando apesar das formas circulares.
Sobrevem à pintura de Milhazes a questão do belo, e às formas de observar um quadro: se no passado o expectador se isentava daquilo que é visto, hoje mais do que nunca existe a demanda de um observador participante, que se entrega à obra, marcando uma dialética entre a imagem e o imageado, naquele processo que gerou a imagem, e que justifica sua existência como processo artístico. Um objeto belo é um sistema de imagens que tanto captura variações de aspectos de uma coisa, de uma situação de mundo, como se apresenta para que seus próprios aspectos sejam explorados pelo observador. O juízo estético nos diz o filósofo José Arthur Gianotti, se tece neste jogo entre o lado representativo o lado apresentativo da imagem, esta surgindo como arquivo de trabalho do artista, matriz de atividades mentais e corporais que o observador irá desenvolver, mobilizando seu aprendizado no processo da criação. Paul Valéry já afirmara o caráter inesgotável da obra de arte, presença de uma ausência, preparando o terreno do pensar. Assim, a verdadeira obra de arte parece pertencer, e de forma enigmática, à realidade e à possibilidade, aquilo que é aquilo que pode ser. Concluímos pela ausência do belo como conceito filosófico e como postura crítica, pela vacuidade das formas, que remetem à ornamentação.
A obra termina assim por ser tornar apenas decorativa, quando extrapola pelos excessos que se repetem, criando o próprio objeto artístico, gerando um impulso de aceitação em uma operação exterior ao objeto, e contrária à própria arte. Esse excesso visa tomar posse da matéria na sua superfície, e induz a uma sensação de plenitude e repouso causada pelas linhas que se desdobram suavemente, reminiscências de um mundo vegetal e por isso natural, afastando a mente do observador de qualquer questionamento inerente ao que seja o belo, e das infinitas possibilidades sobre seu significado.
Esta a razão pela qual a obra de Milhazes é kitsch, definido como qualquer forma de comunicação (nesse caso a pintura) que tende à provocação de efeito, no caso o belo edulcorado. Sua própria composição é clássica do kitsch, parte do princípio da acumulação, o horror vacui, preenchendo a superfície com formas que se repetem como no rococó. As cores suaves e as formas circulares lembrando mandalas, muito analisadas na psicologia e que provocam interiorização e serenidade, afastam os observadores de qualquer juízo crítico, atingindo assim seu objetivo como arte decorativa de fácil consumo, próximo à engenharia de produto e aos bens de luxo. Fenômeno de marketing surge na mídia como o maior valor contemporâneo na arte brasileira, porém qual a verdade que se esconde atrás da manipulação de mercado, espero que os quinze minutos de fama preconizados por Andy Wahrol, a que todo indivíduo teria direito na sociedade de massas.
Walter de Queiroz Guerreiro
Crítico de Arte (ABCA/AICA)
Contudo, essa visão imediatista na produção artística não é uma constante nessa geração, o que, aliás, significaria a morte da arte, pelo contrário, como Bárbara Kruger comenta: “Fazer arte é materializar sua experiência e percepção sobre o mundo, e a arte cria um tipo de comentário”. Nas múltiplas leituras do universo contemporâneo fica visível que a apreciação e a experiência no processo de criação artística vão além da simples intuição e resposta sensorial, a verdadeira arte baseando-se no conhecimento, na compreensão e reflexão sobre o mundo. Conforme afirma, com toda razão, o crítico Rodrigo Naves: “A arte contemporânea parece fadada a viver da tensão entre arte e vida, e as melhores obras atuais são aquelas que conseguem tirar seu significado dessa relação irresolvida. Caso contrário em lugar de um enriquecimento das determinações da arte teria apenas um empobrecimento da concepção de vida”.
Como outros artistas da geração 80, Milhazes surgiu de um interesse especifico do colecionador Marcantônio Villaça, que de amador passou a galerista comprando arte como estratégica de marketing, sem se ater a embasamentos teóricos e sem se questionar se a arte adquirida responderia a questões importantes para a arte, mercadoria vista apenas como moda que pode ser criada e lançada no circuito comercial.
Beatriz Milhazes cunhou inúmeras expressões para explicar seu trabalho como “meu trabalho tem um lado de delírio, de algo surreal, portanto de sonho. Mas tem também o conflito de mundos diferentes, com as cores e os materiais que utilizo”. Já a crítica Jennifer Higgie fala de um “caleidoscópio de cores, flores, amor” e de uma loucura tecnicolor. Carlos Von Schmidt, este com mais pés no chão, não vê na pintura de Milhazes qualquer sonho, pelo contrário, uma pintura fabricada com flores, rosáceas, círculos e arabescos, em que se entrelaçam linhas, rendas, folhas, ramagens, áreas de cor que dão vida a essa pintura, que de onírica tem pouco. Como a própria artista explicou ao crítico, seu processo criativo parte do fundo da tela pintada com rolo, criando a base. A seguir pinta com tinta acrílica em folhas de plástico, criando máscaras que são aplicadas ao fundo como decalques. O resultado é uma pintura aparentemente geométrica, com colorido kitsch e um toque de espontaneidade e candura, pelo tema subjacente, seu conteúdo floral. Existe consenso de que a artista tem domínio da cor e da composição, usando contrastes e afinidades entre as cores para equilibrar dezenas de elementos, verdadeiros bordados de rendas e mandalas que vão se sobrepondo, porém se analisarmos com cuidado veremos que de hábito utiliza tons pastel, cores puras diluídas com branco e que por isso atenuam conflitos entre as áreas de cor, numa facilitação programada.
A artista defende sua obra dizendo haver influência da arte popular brasileira nas cores caipiras o que talvez seja verdade, mas reportar-se a Tarsila do Amaral e Bridget Riley é forçar uma ancestralidade inexistente. O que ocorre nas impressões de transferência de Milhazes, em que aparecem falhas de tintagem, nada tem há haver com as pequenas irregularidades de Bridget Riley, aliás, uma das maiores artistas inglesas do século 20, que aproximou a optical art da pop art. Quando Riley coloca intencionalmente falhas nos arranjos geométricos, estas provocam ilusões óticas, o olhar acreditando ver coisas que não existem e assim gerando dinamismo em superfícies que de outro modo seriam estáticas. Suas obras trabalham as relações entre instabilidade e estabilidade, segurança e insegurança, ao contrário de Milhazes em que o todo estático, nada se movimentando apesar das formas circulares.
Sobrevem à pintura de Milhazes a questão do belo, e às formas de observar um quadro: se no passado o expectador se isentava daquilo que é visto, hoje mais do que nunca existe a demanda de um observador participante, que se entrega à obra, marcando uma dialética entre a imagem e o imageado, naquele processo que gerou a imagem, e que justifica sua existência como processo artístico. Um objeto belo é um sistema de imagens que tanto captura variações de aspectos de uma coisa, de uma situação de mundo, como se apresenta para que seus próprios aspectos sejam explorados pelo observador. O juízo estético nos diz o filósofo José Arthur Gianotti, se tece neste jogo entre o lado representativo o lado apresentativo da imagem, esta surgindo como arquivo de trabalho do artista, matriz de atividades mentais e corporais que o observador irá desenvolver, mobilizando seu aprendizado no processo da criação. Paul Valéry já afirmara o caráter inesgotável da obra de arte, presença de uma ausência, preparando o terreno do pensar. Assim, a verdadeira obra de arte parece pertencer, e de forma enigmática, à realidade e à possibilidade, aquilo que é aquilo que pode ser. Concluímos pela ausência do belo como conceito filosófico e como postura crítica, pela vacuidade das formas, que remetem à ornamentação.
A obra termina assim por ser tornar apenas decorativa, quando extrapola pelos excessos que se repetem, criando o próprio objeto artístico, gerando um impulso de aceitação em uma operação exterior ao objeto, e contrária à própria arte. Esse excesso visa tomar posse da matéria na sua superfície, e induz a uma sensação de plenitude e repouso causada pelas linhas que se desdobram suavemente, reminiscências de um mundo vegetal e por isso natural, afastando a mente do observador de qualquer questionamento inerente ao que seja o belo, e das infinitas possibilidades sobre seu significado.
Esta a razão pela qual a obra de Milhazes é kitsch, definido como qualquer forma de comunicação (nesse caso a pintura) que tende à provocação de efeito, no caso o belo edulcorado. Sua própria composição é clássica do kitsch, parte do princípio da acumulação, o horror vacui, preenchendo a superfície com formas que se repetem como no rococó. As cores suaves e as formas circulares lembrando mandalas, muito analisadas na psicologia e que provocam interiorização e serenidade, afastam os observadores de qualquer juízo crítico, atingindo assim seu objetivo como arte decorativa de fácil consumo, próximo à engenharia de produto e aos bens de luxo. Fenômeno de marketing surge na mídia como o maior valor contemporâneo na arte brasileira, porém qual a verdade que se esconde atrás da manipulação de mercado, espero que os quinze minutos de fama preconizados por Andy Wahrol, a que todo indivíduo teria direito na sociedade de massas.
Walter de Queiroz Guerreiro
Crítico de Arte (ABCA/AICA)